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Andrea Servera "Danza para algunos y no para todos"

Martes 12 de febrero de 2008, por Andrès Fabiàn Valdès

Danza para algunos y no para todos

* Sobre la limitación de los recursos del cuerpo como medio de comunicación artística.

Lo interesante es abrir el juego, trabajar con y a partir de la limitación, transformarla en sentido. Obviamente estoy hablando desde la danza, pero una danza que no sólo busque aquellos cuerpos entrenados, extremos, sino que se adapte, que ponga en valor lo pequeño, lo poco, lo real. En cada situación es diferente, en el vínculo docente alumno es una transformación constante y por ello los límites están también en movimiento, tanto sean técnicos o expresivos. En el caso de la obra, el cuerpo es material de trabajo, valioso por su saber y por su “ser-estar”. Por ejemplo, si comparo, para mí fue muy diferente el proceso y el resultado de una obra realizada en un penal, con otra con jóvenes en situación de pobreza y otra con bailarines profesionales; en cada una el material-cuerpo-estética eran distintos, y también tenían distintos límites, algunos artísticos, otros de la más pura y hasta cruel realidad, pero eso hace al trabajo, y más aún en Latinoamérica. Cada decisión nos libera y nos dicta nuevos límites. El límite es en sí mismo un recurso del cuerpo.

Ezeiza por Dulcinea Rodriguez

* Sobre ser consciente del cuerpo y de sus movimientos.

Depende de qué grado de conciencia hablemos. En un bailarín parecería que es fundamental tener control de cada parte del cuerpo y de cada movimiento. Creo que a veces tanta conciencia acaba por convertirse en bloqueo, y no sólo eso, sino que tanto aprendido desde las formas, sólo termina siendo eso, formas, vacías de sentido, sobre todo de un sentido orgánico, que en lo personal creo que es un valor fundamental en un intérprete. Lleva un tiempo desandar ese camino, ir a lo particular, desprenderse de tanta corrección y tanta mirada exterior. Igualmente estoy hablando de un tipo de intérprete que me gusta, uno capaz de transformar una idea en movimiento, casi diría con inocencia, con lo poco o mucho que tiene. Y en el caso de intérpretes con poca formación o diferente como los bailarines de hip-hop, es interesante trabajar con una tan distinta auto referencia del cuerpo. En mi experiencia en el penal de ezeiza (dicté 3 años de clases y filmé un video-danza documental), era increíble ver cómo los cuerpos de manera inconsciente estaban atravesados por una realidad durísima como es la del encierro, la vigilancia y el dolor. Mi trabajo, tenía sentido y lo fui aprendiendo con el tiempo, si mis alumnas encontraban un espacio consciente de libertad en la clase y en su propio cuerpo, soltando el peso, aflojando los músculos y las tensiones, escuchando música y disfrutando del puro placer del movimiento.

Planicie Banderita por Claudio Divella

* Sobre el cuerpo, el sentir y el pensar.

El cuerpo, su movimiento, su relación con el espacio y hasta con los otros cuerpos, dice de nuestra sensibilidad y de nuestro pensamiento. Si me remito sólo a los bailarines, veo que muchas veces están tan preocupados por entrenar su cuerpo que dejan poco espacio para entrenar el pensamiento, o la curiosidad intelectual en una cuota necesaria, o el espacio de la fantasía. Eso sin duda permite la posibilidad de otras experiencias y hace más rico el terreno donde crear danza. También, hablando del cuerpo en general, sean o no bailarines a los que observamos, ya sea en los ojos, las manos, los pies, las formas, las tensiones, el cuidado, y en algo tan actual como las cirugías, vemos sobre todo pensamientos, sentimientos, difíciles de catalogar, algunos difíciles de entender, pero en extremo expresivos.

Fabiana Barreda

* Sobre el lenguaje corporal y el espectador.

Últimamente busco una danza que ponga al espectador en la situación de contextos aparentemente carentes de sentidos, nada difícil ya que la danza es básicamente abstracción, o de un sentido muy simple, como detenido en el tiempo y desde allí que enfrente sus pensamientos, que tenga que hacer un trabajo de percepción, paralela a su percepción cotidiana tan invadida de estímulos.

La sombra de un pájaro en vuelo-Karin Idelson

Intento que el espectador contribuya desde su propia experiencia, que intente entender, que use lo que tenga, lo que pueda, para dejarse llevar hasta por lo que para mí, no tiene sentido y en la creación fue pura intuición. Para cada persona un sentido. Aunque esto me lleve a hacer danza para algunos y no para todos.

* Sobre la escenografía como soporte.

La escenografía es parte del espacio y el espacio es parte fundamental de la danza. Si hacés el ejercicio de hacer un solo y bailarlo en tres espacios, una playa, una cocina y sobre una cama, te diría, tenés tres obras diferentes. Algo parecido pasa con el vestuario. En general no me gustan los vestuarios de danza, no me gusta que estén pensados por la comodidad, la fluidez, la posibilidad de dejar ver el cuerpo o sus movimientos. El diseño de indumentaria, y más aún en la actualidad, está lleno de mensajes, sentidos, investigaciones y posibilidades. Es un terreno genial para convergir con la danza, ambas tienen al cuerpo como eje, y por lo tanto mucho por dialogar.

Ezeiza por Dulcinea Rodriguez

* Sobre el concepto.

Intento que los componentes de la obra dialoguen conceptualmente. Me gusta pensar la danza desde los cuerpos hasta el lenguaje, como una parte, sí fundamental, pero no única ni rectora. Vestuario, música, escenografía, utilería, iluminación, y el cruce con las artes visuales, todo teje una trama, y todo es capaz de dar o quitar sentido, generar poesía, narración o abstracción.

Karin Idelson

Karin Idelson

http://www.arteamundo.com/servera/

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